Arquivos Mensais:agosto 2012

Mozart

Sonata para violino no. 21


Gênero: Música instrumental
Época: Classicismo
País: Alemanha-Áustria

Mozart escreveu 36 sonatas para violino e piano. É um número bastante alto, mas precisamos relevar: as 16 primeiras foram obras de infância, compostas quando ele tinha menos de 10 anos de idade.

DEZ ANOS DE IDADE!

Deixa eu lembrar… bem, com dez aninhos eu tinha acabado de saber que música clássica existia, ouvindo as primeiras obras. O máximo que eu sabia fazer era ir à escola, responder provas e usar o computador. Mozart, com essa mesma idade, já tinha composto DEZESSEIS SONATAS PARA VIOLINO. Ah, vá se catar.

Das dez sonatas maturas para violino de Mozart, a minha predileta é uma das primeiras, a de no. 21. Foi escrita em 1778 (Mozart estava com 22 anos, portanto), durante uma estada em Paris. Sua mãe havia acabado de falecer, e isso talvez explique a seriedade e tragicidade de expressão – mi menor! – que caracteriza tão fortemente a obra.

Outro traço fundamental desta sonata é a concisão da forma. São apenas dois movimentos, ao invés dos três costumeiros. O primeiro é uma forma-sonata direta e intensa, de um patetismo meio raro em Mozart. Que música maravilhosa! O segundo é uma mistura absolutamente genial de movimento lento e finale, moldado como um minueto que oscila entre um trecho de doída melancolia e seções intermediárias mais agitadas.

Depois de tanta tristeza contida, o gesto final é justamente o de um grito, de um desabafo violento. Olha, é de partir o coração. Mas é maravilhoso.

O vídeo abaixo, sensacional, traz a obra interpretada pelos irmãos Shaham: Gil, violino, e Orli, piano.

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Suk

Sinfonia “Asrael”


Gênero: Música sinfônica
Época: Século 20
País: República Tcheca

Tem vezes em que tudo parece dar tragicamente errado. Aconteceu isso com o pobre Josef Suk. Tcheco, aluno de Dvorák, casou-se com a filha do mestre. Tudo ia bem quando, de repente, o sogro, modelo e ídolo morreu. Muito chocado e comovido, Suk resolveu escrever uma grande sinfonia em homenagem ao mestre.

No meio da composição, a maior tragédia: sua mulher, Otilka, falece também. E Suk resolveu mudar sua criação. Ao invés de terminar a obra em um tom celebratório dedicado à memória de Dvorák, compôs dois movimentos elegíacos para chorar a perda de Otilka. A sinfonia ganhou o nome de “Asrael”, que é o anjo da morte na teologia islâmica.

A obra foi terminada em 1906 e é, sem sombra de dúvida, o ponto culminante da produção de Suk. Ela representa uma guinada radical do compositor – antes um romântico nacionalista no estilo de Dvorák, depois um pós-romântico mais sintonizado com o que faziam Strauss e Mahler na mesma época. Apesar da data tardia (em 1906 Mahler já tinha composto a sua Sétima Sinfonia), gosto de pensar em “Asrael” como uma espécie de Elo Perdido estilístico entre “O espírito das águas” e a Sinfonia “Ressurreição” – i.e., entre o Dvorák tardio e o primeiro Mahler.

A Sinfonia “Asrael” contém diversas passagens arrepiantes, como o clímax do primeiro movimento, o segundo movimento baseado em um motivo do “Requiem” de Dvorák, o tema de Otilka no quarto movimento ou o finalzinho redentor da obra. A sinfonia é uma verdadeira obra-prima esquecida pela posteridade. Hoje temos o dever de reparar esse engano. Afinal…

SUK RULEZ!

[Adoro o vídeo abaixo, registro de uma excecução belga. O regente, Walter Weller, tem um gestual meio inexpressivo, mas isso é enganador. Sua interpretação é quentíssima, uma das melhores da discografia.]

Sibelius

“Luonnotar”


Gênero: Música sinfônica
Época: Século 20
País: Finlândia

Gente, o mundo foi criado assim:

Uma ninfa dos ares, Luonnotar, flutuava no universo quando se cansou de sua rotina e resolveu nadar. Passou 700 anos assim, quando uma forte tempestade fez o oceano ficar revoltoso. Assustada, Luonnotar pede ajuda ao deus Ukko. Em seguida, como do nada, surge uma pata, procurando por um lugar para depositar seus ovos. Luonnotar a ajuda, levantando seus joelhos do mar e permitindo que a pata faça um ninho ali. Os ovos então chocam em fogo, queimando Luonnotar, que por reflexo joga o ninho no oceano. Resultado do acidente: a parte de cima da casca se tornou o céu, a gema se tornou o sol, as claras se tornaram a lua e os pedacinhos quebrados do ovo viraram as estrelas.

Os fatos acima, devidamente registrados no “Kalevala”, são representados pelo compositor finlandês Jean Sibelius em seu magistral poema sinfônico com voz, “Luonnotar”, de 1913. Obra única do repertório, é uma espécie de super resumo do estilo de Sibelius – criador tão ligado à música do século 19 quanto profundamente moderno e inovador. Ainda falaremos muito de Sibelius cá nesta Ilha ;-)

Quando conheci “Luonnotar”, fiquei imediatamente apaixonado pela obra. Assim, instantâneo. É muito raro isso acontecer! Espero que vocês também fiquem malucos por essa música tão especial. GO GO GO!

[A gravação abaixo, incrível, é da soprano Phyllis Bryn-Julson, regida por Alexander Gibson.]

Stravinsky

“As bodas”


Gênero: Balé
Época: Século 20
País: Rússia

Domingo falamos do Stravinsky neoclássico que resgata o barroco italiano. Hoje vamos retroceder um pouquinho no tempo e dar uma visitada no Stravinsky pós-“Sagração” que já se despede da Rússia e de seu folclore. Está na hora de ouvirmos “As bodas”, balé para solistas vocais, coro, vasta percussão e quatro pianos, composta entre 1914 e 1921.

Duas coisas chamam a atenção na ficha acima: o longo tempo de gestação da obra – “Pulcinella” já havia até sido estreada e o compositor ainda estava sofrendo para achar a forma final de “As bodas” – e o instrumental inusitado. As duas coisas estão ligadas. Stravinsky terminou o esboço da peça em 1917, mas gastou diversos anos em busca de uma orquestração ideal. Pensou em instrumentá-la para uma orquestra sinfônica completa no estilo da “Sagração”, depois mudou para um conjunto de pianolas, harmônios e címbalos, e só depois chegou ao efetivo final.

Essa intensa pesquisa valeu a pena. O som de “As bodas” é completamente único, mágico. O conjunto imaginado por Stravinsky é uma verdadeira máquina rítmica – e isso inclui o coro! Ver a obra sendo executada é fascinante. E, claro, a música de Stravinsky, ainda mais crua e ligada à “Mãe Rússia” que em “A sagração da primavera”, é um assombro de vigor e imaginação.

AUDIÇÃO OBRIGATÓRIA! O vídeo abaixo é de uma execução em concerto da obra, feita em Londres por Valery Gergiev. O estilo de Gergiev nem sempre me agrada, mas acho sua “As bodas”, super rápida e cintilante, sensacional.

[OPINIÃO DO AMIGO INTERNAUTA: Seria “Carmina burana” de Orff uma versão pasteurizada de “As bodas”? Cartas para a Redação.]

Stravinsky

“Pulcinella”


Gênero: Balé
Época: Século 20
País: Rússia

Bom domingo a todos!

Deixo vocês com o balé “Pulcinella”, de Stravinsky. A primeira coisa que todos dizem quando ouvem pela primeira vez essa obra é: “ué, isso é Stravinsky?”

Bom, é e não é. O balé, composto para Sergei Diaghilev em 1920, é totalmente baseado em peças do barroco italiano, principalmente de Pergolesi (e de outros autores como Gallo e Monza). O que Stravinsky fez, além de escolher e combinar as obras originais: jogar uma BAITA PIMENTA, principalmente harmônica e rítmica, nessa música.

O balé é para orquestra de câmara e solistas vocais. Stravinsky consistentemente escolhe peças instrumentais para serem base das partes vocais, e opta muitas vezes por originais vocais para as partes orquestrais. Assim ele dá mais uma passo na criação de uma obra que, sem dúvida nenhuma, é inteiramente sua. Analisando as peças originais que Stravinsky escolheu, é possível notar o incrível respeito pelas criações barrocas. Apenas um trecho vocal, extraído de uma ópera de Pergolesi, transformou-se em parte puramente instrumental – em todas as outras ocasiões, Stravinsky preserva até mesmo a letra original. (Em vários dos casos, escritas não em italiano, mas no curioso dialeto napolitano.)

Muito do crédito da obra se deve ao esforço de Diaghilev. Stravinsky reagiu mal à ideia de um balé baseado em Pergolesi. Diaghilev, então, conseguiu um monte de partituras do compositor italiano e deixou com Stravinsky, que, aos poucos, começou a considerar o projeto. O engraçado é que boa parte das partituras recolhidas por Diaghilev, na verdade, não eram de Pergolesi, como se imaginava à época, mas de contemporâneos mais obscuros. Mais engraçado ainda: uma das peças não é de um compositor italiano (um concerto composto por um holandês chamado Unico van Wassenaer); e outra das peças nem barroca é (uma canção do fim do século 19, composta por Alessandro Parisotti em estilo antigo). Stravinsky achou que tudo era de Pergolesi e mandou ver.

O vídeo russo abaixo (que tem lá seus problemas de colocação de microfones) é uma execução de concerto de “Pulcinella”, sem a dança. Ah, vale dizer: “Pulcinella” é o nome italiano para “Polichinelo”. Todos os personagens são baseados nos estereótipos da commedia dell’arte italiana. É divertido demais!

Abaixo, uma compilação INÉDITA, feita especialmente pelo blog, com todas as peças originais, agrupadas na ordem do balé de Stravinsky. Escutá-la revela todo o incrível trabalho de Stravinsky – todas as invenções harmônicas e rítmicas do compositor russo ficam evidentes ao conhecermos as peças barrocas que lhe serviram de base.

Outra constatação: por mais interessantes que sejam as criações originais, a audição do conjunto compilado fica um pouquinho monótona. A música (re)criada por Stravinsky é infinitamente mais interessante. Não? O que vocês acham? Divirtam-se… e comentem!

Bernstein

“Missa”


Gênero: Música coral-sinfônica
Época: Século 20
País: Estados Unidos

O aniversário de Leonard Bernstein sempre leva a uma dúvida: o que celebrar? O Bernstein compositor ou o Lenny regente/comunicador/superstar?

Optei hoje pelo seu lado autoral. Na minha opinião, ao contrário do Lenny intérprete, o Bernstein compositor falhou em deixar um legado mais consistente. Sua obra oscilou constantemente entre o teatro musical, o jazz, a música judaica e a grande sinfonia mahleriana sem criar uma identidade, uma voz própria realmente marcante.

Acho que a obra que representa melhor essa posição complicada do compositor – e que por isso mesmo é fascinante – é sua “Missa”, composta para os Kennedy em 1971. Muito mais que a missa católica tradicional, a “Missa” de Bernstein é uma espécie de super-mega-hiper-cantata com encenação, bailarinos, bandas, solistas, atores, vários coros e uma orquestra realmente grande.

O texto permite um monte de interpretações: seria uma reflexão sobre a situação dos EUA dos anos Nixon? Uma mensagem pacifista em plena Guerra do Vietnã? Um libelo humanista, ateísta? Pick one.

A obra é enorme – cerca de hora e meia de duração – e não encontrei ela inteira na internet para mostrar para vocês. Optei por um trecho crucial, justamente o final da missa, que em cerca de meia hora resume bem o caos musical/religioso/poético/filosófico da peça. No meio do trecho, o “celebrante” da missa joga o cálice de vinho no chão e começa a viajar na maionese, questionando o sentido de absolutamente tudo, da bunda à bomba atômica. Mas no final uma “canção secreta” ao tão questionado deus recupera certa paz de espírito.

Se tem uma obra de concerto que pode simbolizar a angústia da contracultura, certamente é essa “Missa” de Bernstein. Boa viagem :)

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Schubert

Sinfonia no. 8, “Inacabada”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: Alemanha-Áustria

A história todo mundo conhece: Schubert resolveu compor uma sinfonia, terminou os dois primeiros movimentos mas desistiu após esboçar o terceiro. Só que o trabalho rejeitado, descoberto muitos anos depois, era simplesmente uma obra-prima, tão incrível que tornou-se a peça mais famosa de seu autor, mesmo inacabada.

Isso foi em 1822, três anos antes da última sinfonia que Schubert completou, a “Grande“, e seis anos antes de sua morte precoce. Os motivos da desistência até hoje são desconhecidos. Cada estudioso tem sua teoria, mas pra mim isso nem interessa muito. O que interessa é que a obra que restou, em dois movimentos pouco contrastantes, é perfeitamente coerente e original dessa exata maneira.

E bota original nisso. Logo de cara é possível perceber o quanto Schubert se distanciou de seus antecessores – o início sinistro nada tem a ver com Haydn ou Beethoven (que, aliás, nem tinha escrito ainda sua Nona!). O mundo desta Oitava é um mundo completamente novo, desolado e fantasmagórico, decididamente romântico.

O segundo movimento oferece pouco ou nenhum alívio, apesar de migrar para um tom maior. O metro segue ternário, os tempos são próximos, o layout formal é mais ou menos o mesmo, os temas têm contornos similares… na verdade, ao invés de “responder” ao movimento inicial, este Andante o continua, “explicando melhor” suas angústias.

O fato da sinfonia terminar sem solução torna a audição uma experiência única e poderosa. Difícil sair ileso dela. Honestamente, vendo como Schubert terminou algumas de suas obras posteriores, como o Quinteto de cordas ou a última sonata para piano, acho que as ausências de scherzo e finale – em clima provavelmente mais positivo – fizeram muitíssimo bem à sinfonia.

Aliás, de onde vem tamanha angústia? O que Schubert queria expressar com sinfonia tão sombria? Minha explicação favorita é a do regente austríaco Nikolaus Harnoncourt, que interpreta a obra à luz de um texto que Schubert escreveu mais ou menos na época da composição da sinfonia, chamado “Meu sonho”. É, como o título adianta, uma autobiografia em forma de descrição de sonho, cheia de referências à infância e aos pais – prato cheíssimo para Freud.

O ponto principal do pequeno conto (que pode ser lido integralmente aqui) está na dicotomia entre amor e dor, felicidade e tristeza: “quando eu queria cantar o amor, ele se tornava dor; e quando eu queria cantar a dor, ela se transformava em amor”. Seria essa a causa da instabilidade harmônica que é marca registrada do estilo schubertiano?

Harnoncourt acha que sim e, mais ainda, acredita que a “Inacabada” lida exatamente com os traumas descritas em “Meu sonho”: um pesadelo de culpas infantis, amor e medo. Abaixo, o registro que fez com a Filarmônica de Viena. Tente ouvi-lo – principalmente o segundo movimento – ao mesmo tempo em que lê “Meu sonho”. Impossível não sentir umas quatrocentas facadas no coração. Haja lágrima.

Copland

“Retrato de Lincoln”


Gênero: Música sinfônica
Época: Século 20
País: Estados Unidos

Fellow citizens of this Squared Island!

“Retrato de Lincoln” é uma das obras mais curiosas do compositor americano Aaron Copland e uma das raras peças do repertório para narrador e orquestra. Sim, o solista não canta nada – só fala.

O texto, que faz um rápido vôo panorâmico sobre a vida e a obra de Abraham Lincoln, é um compósito de breves palavras do próprio Copland com diversos trechos bem famosos de discursos de Lincoln. A orquestra tece comentários o tempo inteiro, com inúmeras citações do folclore americano. No final, uma explosão de patriotismo MAS…

… calma, Copland não era um coió. “Retrato de Lincoln” é produto bem representativo de seu engajamento humanista, popular, quase de esquerda mesmo, que pôde florescer livremente nos anos de Franklin Delano Roosevelt.

Escute com atenção. É simples, mas não simplório, e universalmente tocante, mas não piegas.

This is what I said.

[Gravação de Zubin Metha em Los Angeles, com narração do ator Gregory Peck. Procurei a minha favorita, de James Earl Jones – o Darth Vader! – mas não encontrei…]

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Debussy

“Suíte bergamasca”


Gênero: Música instrumental
Época: Século 20
País: França

Debussy e piano: como separá-los? Uma das minhas obras pianísticas favoritas de Debussy é do início de sua carreira, a célebre “Suíte bergamasca”. Que movimento inicial é este? Uau!

São quatro movimentos, com prelúdio, duas danças e uma ária, como se fosse uma suíte barroca. A parte que faz a vez de ária é justamente a parte mais famosa da obra: “Luar”, imortalizada no original francês, “Clair de lune”. Na verdade, é a única parte famosa da suíte, o que é uma imensa pena (gosto mais dos outros movimentos; talvez por birra!).

Gravação de Walter Gieseking, um dos grandes especialistas em Debussy da discografia. Vídeo, como está virando padrão, acompanhado da partitura. Mesmo para os semi-analfabetos como eu, é divertido seguir as bolotas :)

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Daugherty

Sinfonia “Metrópolis”


Gênero: Música sinfônica
Época: Século 20
País: Estados Unidos

O primeiro movimento é um retrato do elusivo vilão Lex Luthor. O segundo mostra Krypton, o misterioso planeta nuclear que explodiu. O terceiro é a versão musical de Mxyzptlk, o duende da 5ª Dimensão que não pode falar o próprio nome ao contrário. O quarto é dedicado à mocinha Lois Lane. E o quinto e último é um tango fúnebre em memória do herói principal disso tudo…

… sim, claro, esta é uma sinfonia sobre o Super-Homem (ou Superman, como a DC Comics agora quer que o chamemos no Brasil)!

A Sinfonia “Metrópolis” é uma obra extremamente interessante do compositor americano Michael Daugherty, escrita em 1993. Daugherty ficou conhecido por tratar, em linguagem sinfônica madura, contemporânea, de temas da cultura pop. Depois trago a esta Ilha Quadrada mais peças de Daugherty, como “Le tombeau de Liberace” (!) e “Dead Elvis” (!!).

Divirtam-se! :)