Arquivos Mensais:outubro 2012

Strauss

“Don Juan”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: Alemanha-Áustria

Manja Strauss? O rei da valsa?

Não! Quero falar hoje de Richard Strauss, o compositor alemão da virada do século 19 para o 20. Esse camarada é dono de um dos estilos mais marcantes da história da música. Você escuta 250 milissegundos de uma obra qualquer dele e já sabe, imediatamente: é Strauss! O cabra tinha personalidade.

Um fato curioso da carreira de Strauss é que ele era um compositor mais interessante, mais ousado e mais original quando jovem. Com o tempo, com sua consolidação como “músico número um da Alemanha” (apud STRAUSS, Richard), sua música vai ficando menos relevante e mais engessada. (Mesmo assim compõe obras lindíssimas como o Concertino para fagote e clarinete, as “Quatro últimas canções” e “Metamorfoses”.)

Meu fascínio straussiano é portanto mais focado em suas obras de juventude, mais ou menos até a ópera “Elektra” (1909). A maioria de sua produção pré-ópera é dedicada ao poema sinfônico, gênero inventado por Liszt uns 60 anos antes. Dá para dizer, sem muito medo de errar, que os poemas sinfônicos de Strauss são os maiores do repertório.

E meu poema sinfônico predileto é este “Don Juan” que apresento hoje. É o segundo de Strauss, de 1888. QUE MÚSICA! “Don Juan” é uma espécie de obra perfeita: cheia de viço e vigor, é uma explosão de inspiração e beleza para todos os lados. Os temas são tão lindos que, ao escutar, dá vontade de cantar junto, berrar de alegria, arrancar os cabelos, sair correndo e… melhor parar :)

E a orquestração? PUQUELOSPARULA! O grande regente Georg Solti dizia, com exagero e tudo, que até uma orquestra muito ruim soa maravilhosamente bem em Strauss. Olha…

Poemas sinfônicos contam uma história e este “Don Juan” narra o mito do Don Juan de acordo com o poema de Nikolaus Lenau. Não é tão difícil de acompanhar: são descritas, em sequência, as diversas amantes de Don Juan e suas personalidades. O tema principal representa o próprio Don. Ele vai se transformando, vai ficando mais fraco, até a derrocada final.

Amigos, É DO GRANDE CARVALHO! Ouçam, ouçam! Uma, duas, três, quatro vezes, até gastar o mouse!

[O vídeo abaixo traz Herbert von Karajan no que ele tinha de melhor. Não me canso de ouvir Karajan regendo “Don Juan”. Este vídeo é curioso pois, se a parte musical é sensacional, sua fotografia envelheceu horrendamente. O que são essas tomadas claustrofóbicas? A orquestra parece uma feira livre! A direção bizarra acaba sendo divertida. É tão ruim que fica bom :)]

d'Indy

“Sinfonia sobre um canto montanhês francês”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: França

UAU! Nossa série “História e glória da sinfonia romântica francesa, de Gounod a Dukas (ou) O incrível caso das sinfonias gêmeas” já está no quarto capítulo! \o/

Já comentamos sobre a Sinfonia no. 1 de Gounod, que foi super influente em sua época, gerando pequenos tesouros como a Sinfonia de Bizet. Na semana passada falamos sobre a Sinfonia no. 3 de Saint-Saëns, uns 30 anos mais nova que a obra de Gounod.

Ela também foi extremamente bem-sucedida. Sua estreia parisiense, em janeiro de 1887, gerou uma onda de sinfonismo entre os compositores franceses. Mas o curioso é que, enquanto a sinfonia de Gounod gerou emulação direta, a de Saint-Saëns só despertou o interesse pelo gênero.

Seu principal legado foi a adoção dos procedimentos, principalmente formais, não do próprio Saint-Saëns, mas de Liszt, sua fonte. Todas as obras nascidas nessa onda sinfônica pós-1887 terão essa herança lisztiana em comum. (Quer dizer, as próximas três sinfonias da nossa série terão muito mais que isso em comum: são obras GÊMEAS! Mas é papo para a semana que vem!)

Nesta semana vamos falar de uma sinfonia muito bacana de um compositor praticamente esquecido hoje: a “Sinfonia sobre um canto montanhês francês” de Vincent d’Indy. O nome do autor não nos desperta muita coisa (nem ouse pensar em Indiana Jones!), mas em sua época d’Indy foi um músico bem influente. Fundou a Schola Cantorum, deu aulas no Conservatório, escreveu o famoso “Curso de composição musical” e teve dezenas de alunos, como Honegger, Magnard, Milhaud, Roussel e Satie.

D’Indy começou a compor a sinfonia meio que ao mesmo tempo em que Saint-Saëns escrevia a sua Terceira. Estreou-a, porém, um ano depois, em 1888. Se Saint-Saëns colocou um órgão em sua sinfonia, d’Indy colocou um piano, com papel praticamente solista. O bicho toca o tempo inteiro – é quase um concerto!

[AMIGO INTERNAUTA: seria essa uma sinfonia concertante? Cartas para a redação.]

Apesar de estruturada em três movimentos, a obra de d’Indy compartilha com a de Saint-Saëns a forma cíclica – dessa vez, o motivo dominante é uma melodia folclórica das Cevenas, região montanhosa do sul da França. Todos os temas são variações dessa cançãozinha, que fica mais e mais evidente ao final da obra. O efeito é interessante e dá imensa unidade à sinfonia. Liszt ficaria orgulhoso!

Notem que, estrutura formal à parte, o estilo de d’Indy anuncia mais a música francesa do século 20 do que o estilo conservador de Saint-Saëns. Dá para ouvir algo de Fauré ou Debussy aqui? Ou estou delirando?

Ouçam, comentem, delirem junto comigo! Na semana que vem, preparem-se: daaah dah daaaaah… daaah dah daaaaah… ;-)

[Vocês vão notar que a gravação abaixo, linda, é extraída de um vinil. É que sou fã do Ormandy e da Orquestra da Filadélfia – e Casadesus é um putz pianista – e não pude resistir. Mas não se preocupem: apesar disso, o som é até bom!]

Camargo Guarnieri

Sinfonia no. 3


Gênero: Música sinfônica
Época: Século 20
País: Brasil

Brasil-sil-sil!

Enquanto todos estão votando, vamos de música brasileira. Hoje vou falar do maior sinfonista brasileiro, o grande representante do neoclassicismo sinfônico cá destas terras: Camargo Guarnieri.

A obra abaixo é a sua Sinfonia no. 3, de 1952. Três coisas chamam imediatamente a atenção nesta sinfonia: a clareza da forma, a limpidez da orquestração e das harmonias, e os temas. Sim, os temas. Guarnieri costumeiramente usa melodias de perfume modal, em estilo sertanejo-nordestino. É a marca mais nitidamente nacionalista do estilo de Guarnieri. (No movimento lento da sinfonia há inclusive o empréstimo de melodias folclóricas reais, fáceis de serem reconhecidas.)

De resto, ele é um neoclássico de pedigree, a ser confundido com pares como Holmboe ou Harris. Notem que esta Terceira Sinfonia tem os três movimentos clássicos do estilo. Guarnieri apenas acrescenta uma introdução lenta que – uia! – reaparece no final do primeiro movimento, formando um interessante arco.

A música é realmente muito boa! Quem gosta de Bartók ou Stravinsky ou Martinu ou Shostakovich deveria frequentar mais nosso amigo Camargo Guarnieri. Por que o escutamos tão pouco? Reflexo disso está no próprio YouTube: há uma certa escassez de vídeos com sua música. Das poucas gravações disponíveis, destaca-se o ciclo da OSESP para a gravadora sueca BIS, de onde o vídeo abaixo foi tirado.

Boa audição, bom domingo e… bom voto!

Liszt

“Totentanz”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: Hungria

Tirem as crianças da sala! /o\

Hoje vamos falar de três assuntos MUITO FODAS. Preparados?

1. Traduzir nomes de obras é MUITO FODA!

Cá nesta Ilha seguimos um padrão que é o seguinte: nome de obra sempre em português. Não tem sentido eu, em busca de uma pureza linguística, tentar empurrar nomes originais como “Die Entführung aus dem Serail”, “A kékszakállú herceg vára” ou “Příhody lišky Bystroušky”, se é tão mais fácil mencionar “O rapto do serralho”, “O castelo do Barba-Azul” e “A raposinha esperta”.

MAS… às vezes há nomes bastante conhecidos no original, o que levanta a dúvida se, em nome da comunicabilidade, devemos mesmo traduzi-los. Alguns eu tomo a liberdade de traduzir, sim, apesar de seus nomes originais serem mais correntes. Por exemplo: “La mer” e “Jeux” de Debussy, que insisto em chamar de “O mar” e “Jogos”; ou “Central Park in the dark” de Ives, cuja rima eu mato para chamar de “Central Park no escuro”.

OUTRO MAS… em alguns casos isso é impossível. Você iria ao teatro assistir à “Transviada” de Verdi? Ou à sala de concertos ouvir a “Rapsódia em azul” de Gershwin? Nessas horas, capitulo.

2. Liszt foi MUITO FODA!

Se tem um compositor injustiçado pela posteridade é o nosso amigo Franz Liszt. Mas o cara teve uma influência GIGANTESCA na história da música, muito mais do que costumamos lembrar. Ele inventou a forma cíclica, o poema sinfônico, o virtuosismo transcendental, o modelo do intérprete moderno, o padrão do superstar pop, o antibiótico (não, esse foi Alexander Fleming)…

Além de pianista inigualável – a ver na dificuldade de suas obras e a acreditar nos relatos da época -, Liszt foi um criador altamente inventivo. Suas pesquisas em termos de formas, expressão e harmonia estavam bastante à frente do seu tempo. A Sonata em si menor, para piano, é de 1854, e a “Sinfonia Fausto”, que já comentei aqui, é de 1857, para ficar em só dois exemplos. Reflexos dessas obras seriam observados somente em 1880, 1890, 1900…

Foi Liszt, mais do que qualquer outro músico de seu tempo, que inventou a cara da segunda metade do século 19 e da transição para o 20. Sem Liszt, não teríamos Saint-Saëns, Dvorák, Franck, Rimsky-Korsakov, Borodin, Richard Strauss, Mahler, Stravinsky, Bartók…

3. O “Dies irae” é um tema MUITO FODA!

Já comentei sobre esse hino latino do século 13 várias vezes aqui: Sinfonia no. 3 de Saint-Saëns, “Sinfonia fantástica” de Berlioz, a “Sinfonia Metrópolis” de Daugherty, até a Sinfonia no. 103 de Haydn citam o “Dies irae”. E tem muito mais. Dá até para dizer, com exagero e tudo, que Rachmaninoff construiu toda uma carreira baseada nessa melodia…!

O “Dies irae” é um pedacinho da missa de requiem latina. Seu poema retrata o “Dia de ira”, o dia do juízo final da mitologia cristã. Ele ganhou uma melodia, na tradição gregoriana, que nunca deixou da fascinar os compositores, séculos após sua anônima criação. Essa meia-dúzia de notas é praticamente um símbolo musical de morte e misticismo, citado à exaustão, principalmente no romântico século 19, tão afeito a tal temática.

. MISTURO TUDO NO LIQUIDIFICADOR E…

… apresento-lhes “Totentanz”, de Liszt, variações fantásticas para piano e orquestra sobre o “Dies irae” medieval. Tem virtuosismo, tem clima fantasmagórico, tem invenções musicais incríveis e é de arrepiar os cabelos. E não dá pra chamar de outro nome. “Dança da morte”? Não, é “Totentanz” mesmo e acabou.

Ouçam, se esbaldem, porque é MUITO FODA! :)

Beethoven

Concerto tríplice


Gênero: Música sinfônica
Época: Classicismo
País: Alemanha-Áustria

[Este post foi trazido a você pelo AMIGO INTERNAUTA. Rejoyce!]

[[Aliás, os habitantes desta Ilha gostam mesmo de Beethoven: segundo VOCÊ DECIDE consecutivo no qual ele é escolhido. Muito bom.]]

Beethoven compôs sete concertos: os cinco para piano, o famosíssimo Concerto para violino e este Concerto para piano, violino e violoncelo, dito “Tríplice”. É o patinho feio das peças concertantes do nosso amigo Ludwig.

Ficha clichê: o concerto foi composto em 1803 e faz parte do “período intermediário” da obra de Beethoven (assim como todos os concertos para piano a partir do terceiro, assim como as sinfonias entre 3 e 8). OK, parte obrigatória ultrapassada, ressalto algo que chama a atenção nesta obra: as três partes solistas são bem desiguais. Uia!

O concerto – cuja formação em trio é inusitada para a época – foi criado provavelmente para o aluno e mecenas de Beethoven, o Arquiduque Rodolfo. Ele era pianista, mas ainda jovem, imaturo. E, olha só, a parte de piano é realmente simples. Já a parte de violino e, principalmente, de violoncelo são muito mais complexas, tanto em termos musicais quanto em dificuldade de execução.

A obra não ficou tão célebre quanto suas contemporâneas, muito mais “titânicas” e “épicas” que este concerto. O “Tríplice” é, de fato, um Beethoven que olha um tantinho para o passado (a Sinfonia concertante de Haydn me vem à mente). Mas é música deliciosa que merece ser mais ouvida.

VAI LÁ! É só apertar o play ;-)

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Berwald

Sinfonia no. 3, “Sinfonie singulière”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: Suécia

Não são raros os casos de artistas totalmente esquecidos durante suas vidas e que alcançam certo status “cult” décadas ou mesmo séculos depois.

Apresento-lhes o sueco Franz Berwald. Personalidade curiosíssima, sobreviveu tanto a Schubert quanto a Mendelssohn e Schumann, seus contemporâneos, sem nunca ser plenamente bem-sucedido em viver de sua música. Aliás, várias vezes ele teve de empreender em áreas bem distantes, com sucesso bem maior: ortopedia, fisioterapia, vidraçaria…

Compôs quatro sinfonias, todas com subtítulos em francês. Apenas a Primeira, dita “Sérieuse”, foi executada em sua vida. Nunca ouviu as demais. Quando já estava bem velhinho, obteve o primeiro sucesso: sua ópera “Estrella de Soria” foi montada e bem recebida. O governo sueco reconheceu seus esforços, deu-lhe uma medalha, o indicou para o Conservatório de Estocolmo e… Berwald morreu. :-/

A posteridade foi-lhe muito mais receptiva. No século 20, principalmente, suas inusitadas e originais sinfonias foram redescobertas e enfim executadas, gravadas e aplaudidas. Hoje Berwald é reconhecido como o principal compositor sueco.

Pense em um Mendelssohn cheio de arestas: bizarrices, repetições esquisitas, trechos semi-estáticos, melodias estranhas, harmonias pontiagudas… Esse é o estilo de Berwald. Sua sinfonia mais representativa é a Terceira, a “Singulière”. O mais bacana dessa obra, de 1845, é o “encapsulamento” do scherzo DENTRO do movimento lento. Fora o finale de um vigor realmente impressionante, que chega até a lembrar Brahms ou Bruckner.

Vale conhecer. É divertido pacas. Nosso amigo ortopedista, fisioterapeuta e vidraceiro sabia compor sinfonias interessantes :)

Mussorgsky

“Quadros de uma exposição”


Gênero: Música instrumental
Época: Romantismo
País: Rússia

O russo Modest Mussorgsky compôs provavelmente a peça para piano mais original de todos os tempos: “Quadros de uma exposição”, de 1874. O mais curioso é que a maioria absoluta do público está acostumado a ouvir essa obra de outro jeito – através da orquestração que Ravel fez em 1922.

A música é tão boa que parece transcender qualquer meio. Veja só: muita gente sente que a obra precisa do peso e das cores de uma orquestra sinfônica completa, e existem dezenas de orquestrações (a de Ravel, mais famosa, e as de Ashkenazy, Stokowski, Naumoff, a recentíssima de Peter Breiner etc), só que muita gente também acha que ela fica bacana em outras formas, como banda de rock (a infame/famosa versão de Emerson, Lake and Palmer), violão, órgão, trio de jazz, sopros, grupo de percussão… até versões alternativas para piano existem (a mais famosa é a de Horowitz)!

Um dia mostro algumas dessas transcrições. Dá para passar uma vida inteira só ouvindo versões dos “Quadros”! :) Hoje vamos falar da obra como imaginada por Mussorgsky.

A estrutura da peça é muito bem bolada. Pense em alguém em uma galeria de arte. A obra começa com esse visitante andando na galeria, antes de ver o que está lá exposto: é a “Promenade”, que simboliza o estado de espírito do expectador. Esse “passeio” será repetido cinco vezes durante a peça, entre um quadro e outro. Mas nunca é igual: quem vê os quadros se transforma, é emocionalmente afetado pela arte.

A exposição em si é composta de onze quadros, todos do pintor Viktor Hartmann, amigo de Mussorgsky, recém-falecido à época da composição da obra. Os temas são variados: esboços de figurinos de teatro, projeto de relógio-cuco, esboço arquitetônico, quadros característicos. Em comum entre eles, o clima meio fantasmagórico, meio fantástico, magistralmente capturado por Mussorgsky.

Meu quadro favorito é o quarto, “Bydlo”, que mostra um carro de boi polonês. É uma espécie de marcha arrastada que não para de crescer em intensidade, de uma tremenda força emocional. A peça termina com o famoso e majestoso “Grande portal de Kiev”, uma espécie de homenagem geral à obra e à memória de Hartmann.

No final, nós, ouvintes, nos sentimos como o visitante dessa galeria fantástica: extasiados e transformados pela experiência. Não à toa essa obra tem alimentado a imaginação de tanta gente por tanto tempo.

CURTA! Fiz questão de achar um vídeo em boas condições técnicas, de som e imagem, para vocês aproveitarem melhor a obra. Mas isso é só o começo. Ainda falaremos mais dos “Quadros”, com espaço para outras interpretações e versões! \o/

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Shostakovich

Quinteto para piano


Gênero: Música de câmara
Época: Século 20
País: Rússia

Preciso confessar: eu tinha outros planos para hoje, mas ando tão entusiasmado com uma obra que redescobri recentemente que simplesmente não consegui fugir dela. Ainda mais depois de encontrar o vídeo abaixo!

Trata-se do Quinteto para piano de Shostakovich. Camaradas, QUE MÚSICA! Praticamente não tenho ouvido outra coisa por esses dias. E olha que Shostakovich não é dos meus compositores prediletos. Mas tenho que admitir que a obra de câmara dele me atrai muitíssimo mais que suas sinfonias, por exemplo.

Dmitri Shostakovich é o exemplo perfeito de artista que podemos chamar plenamente de “soviético”. Diferentemente de compositores como Stravinsky e Prokofiev, mais velhos e muito mais ligados à Rússia czarista, Shostakovich viveu toda a sua vida já na União Soviética, foi ligado ao Partido Comunista (foi até deputado), nunca quis emigrar, sofreu horrores com o regime stalinista, sem nunca lhe fazer real oposição… até nas imensas contradições Shostakovich foi soviético do dedão do pé à ponta do cabelo.

Este Quinteto para piano é de 1940. Ao contrário de várias das suas sinfonias, características por longuíssimos movimentos lentos e proporções tão colossais quanto desajeitadas, é uma obra relativamente curta e equilibrada, de cerca de meia hora. Tem cinco movimentos, dispostos em ordem pouco usual: dois movimentos lentos encadeados que formam um conjunto de “prelúdio e fuga” (como no Barroco!), um movimento central bem rápido, outro movimento lento novamente e um finale moderado.

Prelúdio e fuga para abrir um quinteto, puxa vida. E que prelúdio. E que fuga. Claro que, sendo uma obra de Shostakovich, o clima geral é de desolação e melancolia, com euforias eventuais. O finale tenta purgar tudo isso: é falsamente simples, semi-feliz, agridoce, um alívio com cara também de grande enigma.

Enfim, como saber o que esse final significa? Shostakovich é sempre assim, enigmático…

[O vídeo abaixo, traz simplesmente Joshua Bell, Martha Argerich, Mischa Maisky, Henning Kraggerud e Yuri Bashmet. Ao vivo. Camaradas, É DO GRANDE CARVALHO!]

[[No mesmo vídeo, logo após o Quinteto de Shostakovich, Maisky toca o xaroposo “Kol Nidrei” de Bruch. Essa parte não precisa ouvir. :)]]

Saint-Saëns

Sinfonia no. 3, “Órgão”


Gênero: Música sinfônica
Época: Romantismo
País: França

Segunda-feira, você já sabe: segue a todo o vapor a nossa série, campeã de audiência, “História e glória da sinfonia romântica francesa, de Gounod a Dukas (ou) O incrível caso das sinfonias gêmeas”.

Hoje falaremos daquela que é, provavelmente, a mais popular das sinfonias francesas. Quero ver o Ibope lá encima! \o/

Nos episódios anteriores, comentamos duas obras gêmeas de 1855, a Primeira de Gounod e a Sinfonia de Bizet. Agora vamos dar um salto de 30 anos e falar de um segundo surto sinfônico francês, que se inicia em 1887, com a estreia da Sinfonia no. 3 de Camille Saint-Saëns. À obra de Saint-Saëns seguiram-se, praticamente sem intervalos, mais quatro grandes sinfonias. A febre terminaria em 1896. Depois o gênero ficaria novamente congelado em terras francesas, para ser resgatado somente nos anos 1910 e 20 por Roussel. Mas daí é papo para outra série ;-)

Se Gounod – e Bizet, seu filhote estilístico – beberam na fonte beethoveniana, via Mendelssohn, Saint-Saëns estava de olho no que fez Liszt. (Vejam só vocês: Liszt compôs uma sinfonia altamente inovadora como a “Sinfonia Fausto” em 1857, praticamente ao mesmo tempo em que Gounod brincava de recompor a Segunda de Beethoven.)

O curioso é que Saint-Saëns, ao elaborar seu projeto de nova sinfonia francesa, se baseou em Liszt, porém mais em obras como os concertos para piano do que na “Sinfonia Fausto”. Compôs uma sinfonia em quatro movimentos, encadeados dois a dois e com um tema principal que é a base de toda a obra – exatamente como o Concerto para piano no. 1 de Liszt! (Ou como o seu próprio Concerto para piano no. 4.)

Saint-Saëns notoriamente deu tudo de si para compor sua sinfonia. Acrescentou a uma orquestra já grande partes proeminentes de piano (a duas e a quatro mãos) e principalmente de órgão (que valeu à sinfonia o apelido de “Com órgão”). Usou como tema cíclico oculto o “Dies irae” medieval (sim! fica mais nítido em alguns trechos dos metais no primeiro movimento) e gerenciou muito bem todas as suas aparições e variações para obter o maior clímax possível no finale, quando sua variação “definitiva” é tocada a todo vapor pelo órgão.

E quer saber? O resultado é entusiasmente! A Terceira Sinfonia foi o maior êxito da carreira de Saint-Saëns, nunca saindo do repertório (na verdade, tornou-se imensamente famosa; seu tema virou até mesmo canção pop) e influenciando compositores posteriores.

ACHIEVEMENT UNLOCKED, caro Camille!

A saga das sinfonias românticas francesas continua na semana que vem. NÃO PERCÃO!

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